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‘Creerte’ describe el vacío provocado por la ausencia y hasta donde esta te puede llevar. Es una canción que tiene marcadas influencias del synth pop.

Amy S. Massiries una artista colombiana de la ciudad de Barranquilla quién siempre ha tenido afinidad por las bellas artes como la música, la literatura, las artes plásticas y la danza; talentos que se evidencian en su puesta en escena en donde muestra diferentes aspectos de su creación a través de sus canciones que tienen toques fantásticos y de realismo mágico. Su proyecto musical nace en 2017 gracias a un compromiso universitario de Darío Ariza (productor del proyecto) en el que Amy decide grabar una composición que tenía guardada y en la que se había inspirado en el libro Rayuela de Julio Cortazar (Maga). Amy grabó la canción sin ninguna pretensión, pero la positiva acogida que tuvo en sus allegados hizo que la subiera a plataformas e iniciara oficialmente su carrera artística.

La intención de su proyecto musical es explorar, a través de la música electrónica, diferentes formas de expresar conceptos relacionados con la música cinematográfica, principalmente en la creación de atmósferas y ambientes que permitan generar emociones y sensaciones en el espectador. Por su parte, el mensaje que transmite con sus canciones es un escenario, una atmósfera, un ambiente, una escena, que más que palabras está basado en sensaciones sonoras y visuales.‘Creerte’es su nuevo sencillo, una canción que describe el vacío provocado por la ausencia y hasta dónde ésta te puede llevar. La influencia más marcada en la canción es el synth pop que se caracteriza por la utilización de sintetizadores como instrumentos principales en la composición.

“Intentaba escribir no solo una sensación que estaba viviendo en ese momento, sino también una historia de la cual era consciente que todos habíamos vivido. La idea siempre fue conectar con un sentimiento muy humano, el cual es el vacío provocado por la ausencia y hasta dónde ésta te puede llevar”, comenta Amy S. Massiri.

‘Creerte’, a pesar de tener letras muy tristes, realmente representa un ciclo que se cierra, por ello el contraste entre la lírica y la música. Al principio, se buscó transmitir la sensación de abandono y vacío que se siente al perder a alguien, pero una vez terminada la canción, se siente como una catarsis y un sentimiento cálido de que un capítulo finalmente se ha cerrado. El video de la canción intenta contrastar escenas fuertes de discusiones con momentos de desahogo llenos de luces que representan la salida de la oscuridad.’Creerte’ hará parte de un disco llamado‘Madame’del cual ya se han escuchado los sencillos ‘Dopamina’ y ‘Playtime’. Este segundo álbum discográfico mostrará una Amy más madura en situaciones más humanas, diferente a ‘Temporada de manzanas’ que basaba su música en escenarios de ficción y fantasía. Los sonidos de ‘Madame’ tienen un tinte más oscuro provocado por armonías extendidas y diferentes procesos de síntesis. Además, hay una utilización de instrumentos de percusión latinos mezclados entre el ambiente frío de las músicas del norte.

“‘Creerte’ es una canción que se puede escuchar en cualquier momento del día, principalmente en la noche, pues evoca la vida nocturna, quizá manejando por la ciudad y dejándose entretener por las luces de ésta. Es una canción que intenta acompañar a las personas cuando estén pasando por un momento de soledad”, menciona la artista.Amy S. Massiri es un proyecto innovador hablando de este estilo en habla hispana. Su propuesta se acopla a varios tipos de personalidad y es una idea que experimenta con los sentidos.

Escucha ‘Creerte’ de Amy S. Massiri

Perfecta para dedicar cuando se logra salir de una relación tóxica.

Sin Dicción es una banda de pop punk y rock alternativo de la ciudad de Medellín, integrada por Tomás Muñoz (voz), Juan Felipe Pulgarín (guitarra líder), Juan Felipe Hernández (guitarra rítmica), Daniel Restrepo (bajo) y Sebastián Flórez (batería). El grupo nace en el colegio donde los integrantes ya tenían una amistad, luego deciden agruparse y así se consolida el proyecto.

En sus primeras canciones la banda expresa su incomodidad con las imposiciones y doctrinas culturales, religiosas y la violencia por la que ha pasado eternamente Colombia, con una posición en la que no eran indiferentes y escribían a modo de resistencia e irreverencia.

En su nuevo EP‘El alma se desgasta’, Sin Dicción habla sobre situaciones personales, las emociones que hay después de una ruptura, de una despedida, reflexiones sobre haber vivido en época de pandemia con la intención de hacerse conscientes de que todo lo que los rodea es pura impermanencia como: las palabras, las personas, las ideas; todo es fugacidad, pero en las canciones pueden inmortalizarlo.

‘S.A.M.’ es una canción visceral que expone los daños de una relación que no funcionó y cómo se puede llegar a odiar a alguien con la misma intensidad con la que se quiso. Compuesta en época de pandemia, es una canción rápida con la intención de demostrar el disgusto, fuertemente influenciada por el pop punk de bandas como El Sin Sentido, Finde y Tungas. Es perfecta para dedicar cuando se sale de una relación tóxica.

En el video de ‘S.A.M.’ la historia empieza con la protagonista escuchando la canción y disfrutándola, mientras la banda está tocando cerca, pero ella en ningún momento los puede ver. En la habitación hay afiches de discos que significaron algo para la pareja. Al final, él quema la foto de los dos y ella rompe los discos, como cierre de un mal ciclo.

En los últimos meses del año, Sin Dicción, tiene programado el concierto de lanzamiento de su EP ‘El alma se desgasta’ y una serie de presentaciones en Plug Sala y el Club Líbido, además de la producción de un sencillo junto a la banda Sin Escrúpulos que se estrenará a finales de noviembre.

Sin Dicción llega con una propuesta que busca simpatizar con los sentimientos de sus oyentes para traer a colación emociones personales y llevarlas a la colectividad.

Sin Dicción hace parte de AP Records, productora musical, artística y ejecutiva de la ciudad de Medellín.

Haz clic y escucha ‘S.A.M.’

La nueva canción de la banda colombiana retrata la ira que empieza a sentir un ser humano al estar poseído, reflejada como un impulso que necesitan las personas para conseguir lo que quieren. Es un aliciente para afrontar los retos del día a día.

KBoom Los Antihéroeses una agrupación colombiana conformada por Dr. K y Mr. B, dos MCs que se atrevieron a convertir el Rap en Cómic, de llevar las historias del Cómic a la música, de lograr una fusión trascendental que les otorgó poderes musicales uniendo rap, rock y sonidos electrónicos con el objetivo de trasmitir, a través de sus canciones, el sueño que tenían de niños de ser héroes.

Dr. K y Mr. Bson Los Antihéroes, pero no porque vayan en contra de los superhéroes, sino porque son héroes más reales, héroes que deben decidir muchas veces entre el bien y el mal. A su legión se unen el guitarrista Diego Montenegro, el baterista R Kingy Dj Spizike. Su propuesta maneja múltiples influencias musicales como los sonidos urbanos clásicos del rap con aportes de dubsteb, drum and bass, crunk y rock.

“Un gran poder conlleva una gran responsabilidad y la nuestra es juntar dos mundos que pocos se han atrevido a hacerlo, el rap y el cómic. No somos una banda tributo a los personajes del cómic, pero sí analizamos su comportamiento, psicología, humanidad y las mezclamos con las vivencias, perspectivas y visiones que tenemos de la música urbana y de nuestro sonido”, comentan los MCs.

El proyecto KBoom Los Antihéroes extrae la parte humana del mundo de los cómics, analizan su comportamiento y características y lo mezclan con su propuesta sonora.

“Nos centramos en los Antihéroes porque de todos los personajes, son ellos quienes se muestran o los retratan de una forma más real. Están constantemente en una dualidad entre el bien y el mal. Musicalmente hablando, consideramos que el rap es el género más antihéroe que existe junto con el rock por su contenido social, contestatario, amoroso y firme; adaptándose perfectamente a la psicología que retratamos en nuestras creaciones. Cualquiera de nosotros puede tener cualidades e identificarse con alguno de estos personajes, pues en algún momento uno puede ser el héroe o el villano de su propia vida”, enfatizan Dr. K y Mr. B.’Venom’ es su nuevo lanzamiento, una canción que retrata la ira que empieza a sentir un ser humano al estar poseído. La ira se refleja como un impulso que necesitan las personas para conseguir lo que quieren. Es un aliciente para afrontar los retos que aparecen a diario.

Venom es la representación del simbionte enemigo de Spiderman que al poseerlo lo vuelve más poderoso, pero al mismo tiempo más agresivo e individualista y empieza a modificar su personalidad amable como el buen amigo del barrio. Sonoramente, este villano fue explorado basándose en su mezcla agresiva que se convierte en una canción que mezcla el rap con el rock.

El video de la canción retrata el sentimiento de ímpetu que embarga a toda la banda en un ensayo mientras que, paralelamente, se muestra una pelea entre los personajes de Venom y Carnage.

“La película retrata a Venom como un antihéroe más que como el villano de Spiderman y ese es el eje central que relaciona la película con nuestra canción. En la primera entrega, vemos como Eddie Brock, al ser poseído por el simbionte mientras hacía un proceso de periodismo de investigación, se siente fuerte por los poderes que le otorga Venom y esto es lo que planteamos con la canción. Ahora, con la secuela que está centrada en la pelea de Venom con Carnage, vemos como Venom se convierte en héroe tomando la decisión correcta entre el bien y el mal”, cuentan los antihéroes.’Venom’ hace parte del álbum ‘Héroes y Villanos Vol1’, un trabajo de ocho canciones que hacen referencia a ocho personajes del cómic y un remake de ‘Desde Cero’ que cuenta cómo Dr. K y Mr. B obtuvieron sus poderes y se volvieron Los Antihéroes del Rap Cómic. El segundo disco de KBoom Los Antihéroesafianza la mezcla de sonidos entre el rap, el dubsteb y el rock. Su lanzamiento está planeado para el último trimestre de 2021.“KBoom Los Antihéroes es un proyecto original, una propuesta innovadora dentro del rap y dentro de la música en general que no se había desarrollado tan amplia y específicamente como nosotros lo estamos haciendo. Nuestra producción y los beats que usamos están a cargo del productor colombiano JBeat, quien ha logrado crear una montaña rusa de sonidos que muy pocas veces se han escuchado dentro del género urbano, además, las temáticas, letras y flows hacen que las personas viajen entre sentimientos y emociones en una sola canción. El mundo del cómic siempre ha estado presente y cada día más fuerte dentro de la cultura popular a nivel mundial en todo sentido: películas, mercancías, parques temáticos y ahora musicalmente con nuestra propuesta”, concluyen Dr. K y Mr. B.

Haz clic y escucha ‘Venom’ de KBoom Los Antihéroes

‘El Cajón’ nace con la intención de dejar clara la necesidad de cambiar a los dirigentes que por más de 200 años han heredado las ramas del poder una y otra vez y que les ha permitido tejer los engranajes de la corrupción más inaudita de Latinoamérica.

El Punto Ska es un proyecto musical capitalino fundado en 2014 que nace con la intención de transmitir unidad, resistencia, amor y rebeldía por los problemas sociales actuales, mensajes innatos del género jamaicano. Son ese parche que con poder musical se transforma en un punto de encuentro entre distintas culturas, razas, estratos y edades, con una explosión de sonidos en vivo y un show de skateboarding en tarima que hacen que la conexión con el público sea única en cada concierto.

Sus letras cuentan historias de vida, de calle, amores y desamores, desdichas y malestares sociales causados por nuestros gobernantes. De esto justamente habla su single ‘El Cajón’, una canción que nació con la intención de dejar clara la necesidad de cambiar a nuestros dirigentes que por más de 200 años han heredado las ramas del Poder una y otra vez y que les ha permitido tejer los engranajes de la corrupción más inaudita de Latinoamérica.

“Los mismos apellidos, el país de bolsillo a bolsillo. Sólo hay un lugar para ellos, y eso es 10 metros bajo tierra. Con nuestro voto, tal y como lo pregonaba el gran Jaime Garzón, podremos tejer un país diferente, verdaderamente independiente y soberano”, comenta la banda.

Influenciados por los sonidos ska-punk californianos de finales de los noventa, ‘El Cajón’invita también mosh con estruendos de guitarras y cobres contundentes. Ha sido uno de los himnos de la agrupación, favorita de ellos y del público. Tomó gran relevancia especialmente con los más recientes Paros Nacionales que ha vivido el país, especialmente en las manifestaciones de septiembre del 2019 y abril del 2021, que dejaron pérdidas humanas a causa de las fuertes violaciones de derechos humanos realizadas por la Policía Nacional.El videoclip de la canción fue grabado en una presentación de la agrupación en 2021, conmemorando a los héroes que cubren sus rostros por miedo al Estado, a los líderes sociales asesinados y a todos quienes han perdido todo en esta guerra injusta.

“Basta con prender el televisor o sacar el móvil para darse cuenta de otro caso de corrupción “a espaldas” de sus culpables. A vísperas de unas elecciones presidenciales, ‘El Cajón’ se convierte en una canción resistente al tiempo, que perderá vigencia únicamente cuando desde nuestros corazones busquemos un verdadero cambio”, agrega el grupo.

El Punto Ska, aún con una posición política clara, también tiene muchos mensajes que de una u otra manera conectan con quien los ve y escucha. Al menos una frase o pregón se queda impregnada en la mente. Así es como todos se conectan en sincronía en cada show de la banda.

‘El Cajón’ es el track número 8 de su primer trabajo discográfico titulado #SkaParaTodos, lanzado en el festival homónimo, organizado por la misma agrupación y que lleva dos versiones realizadas en el Teatro Al Aire Libre La Media Torta de Bogotá en 2019 y 2020.Además del lanzamiento de su videoclip, la agrupación se prepara para su presentación en el Festival Rock Al Parque 2021, tras ser una de las 16 bandas ganadoras de la convocatoria distrital. La versión de este año, llamada Festival Idartes 10, se celebrará en noviembre en el Parque Metropolitano Simón Bolívar. Para el año 2022 la banda lanzará el video de su canción ‘Nómada’, esto gracias a que fueron seleccionados como ganadores de la beca videoclip Musicales de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño.

El Punto Ska hace parte de AP Records, productora musical, artística y ejecutiva de la ciudad de Medellín.

Escucha ‘El Cajón’ de El Punto Ska

Mala Fama es un canto de unión latinoamericano que clama por el reconocimiento del inmenso valor cultural y ancestral de nuestro pueblos.

La canción que une a la banda colombiana Doctor Krápula con la agrupación brasileña ‘Francisco, el Hombre’ resalta las características positivas de la identidad latina que ha sido manchada por la mala imagen que venden los medios, la promoción del narcotráfico y la mal llamada “Malicia Indígena” que supuestamente nos caracteriza.Mala Fama cuenta con una sonoridad innovadora para la banda bogotana ya que se enfoca mucho en la percusión, con una célula armónica minimalista que invita a entrar en un mantra cargado de positivismo y buena vibra, donde los coros son los protagonistas para resaltar la unidad latina.

Fue compuesta por la agrupación Doctor Krápula y es interpretada con ‘Francisco el hombre’ que hizo sus propios arreglos de voces, bajo la producción musical de Niko Cabrera (Baterista de Doctor Krápula).Esta versión de ‘Mala Fama’ va a estar incluida en la edición de lujo del álbum ‘Calle Caliente’ y llega como la primera de varias sorpresas que prepara la banda de rock mestizo colombiana.

El videoclip que fue rodado entre Colombia y Brasil es una invitación al baile, la fiesta y a reconocernos como latinoamericanos.”Con esta canción queremos hacer una homenaje a nuestra manera positiva y alegre de afrontar la vida y superar los problemas que tanto golpean a nuestros países latinoamericanos. Nos juntamos con Francisco, el Hombre, nuestros hermanos del país vecino, con quienes sumamos nuestros idiomas (Español y Portugués), nuestro arte y nuestras voces en un solo mensaje, en un solo canto!” Comenta Doctor Krápula.

Doctor Krápula es una de las bandas de rock más importantes e influyentes de Latinoamérica.

Una explosión de punk, cumbia, ska, hip hop y reggae combinada con una postura social y ambiental en una fiesta rebelde que desde el primer acorde enciende el baile y lleva a la euforia a todos sus seguidores.

Es una banda masiva e independiente con 22 años de historia, más de 700 conciertos en 15 países y que cuenta con 10 álbumes de estudio y un DVD en vivo. Doctor Krápula ha logrado cinco nominaciones a los Latin Grammy´s, así como numerosos premios y reconocimientos.

Durante estas dos décadas de trayectoria, han liderado y colaborado en diversos proyectos musicales y sociales con artistas como Manu Chao, Ska-p, SEEED, Juanes, Café Tacvba, entre otros

En tan solo cuatro años Francisco, el Hombre se ha posicionado como una de las propuestas musicales más intensas de Latinoamérica.

Con unión de músicos brasileños y mexicanos, ha trascendido las fronteras geográficas, apelando a una identidad latinoamericana que ha captado la atención de promotores y público en Argentina, Chile, Uruguay, Ecuador, Colombia, Cuba y México.

La música de francisco, el hombre, mezcla catártica de exotismo y fiesta, de psicodelia punk-rock con ritmos afrolatinos, hace inevitable bailar y hacer pogo.

Se han presentado en los principales foros de Brasil y Latinoamérica sumando presentaciones en los más importantes festivales de nuestro continente: Rock in Río, Lollapalooza, Vive Latino, Rock x La Vida, Cosquín Rock y muchos más.Mala Fama es parte de Calle Caliente el décimo trabajo discográfico de Doctor Krápula, quienes se consolidan como una de las bandas latinoamericanas más relevantes e influyentes en su género.

El álbum es una radiografía de una calle en cualquier ciudad de Latinoamérica. Viene cargado de mucho sabor y revolución, pasando por la cumbia, el cuarteto, reggae, dancehall, punk y ska. Este trabajo discográfico evidencia la madurez musical y lírica de la banda en cada una de sus siete canciones.

La cantautora colombiana nos da un nuevo anticipo de su EP con una canción de ‘dulce venganza’ para dedicarle a quien quiere volver después de marcharse.Luna de Nataly Grisales es un reflejo del “fresquito” que produce saber que un viejo amor quiere volver cuando ya lo has superado.

¿Quién no ha querido ‘vengarse’ de un mal amor que decide regresar? El mensaje de Luna llega cargado de estos sentimientos, una energía que empodera y un toque de ironía. Se inspiró en una canción que pedía ‘la forma para olvidar’ y llevó a Nataly a pensar en la respuesta a tal petición.

“Probablemente estos son los sentimientos que experimentaría alguien que quisiera dedicar esas palabras. Sin embargo, la letra también es irónica porque en realidad demuestra interés y rencor de parte de quien la canta, cuando el verdadero olvido está en el perdón y la indiferencia, no en la venganza” Explica Nataly.La canción fue escrita por Nataly Grisales y producida por el ganador del Latin Grammy Néstor Cifuentes (DonProductor).

La masterización es de Camilo Ruiz en Caja Morada Mastering.

Luna tiene una sonoridad soul rock y muestra así una faceta más alegre de la música de Nataly Grisales, así como una evolución en este género desde su lanzamiento “Olvidar”.”En el proceso de producción quisimos construir la sensación de crescendo desde la guitarra eléctrica hasta llegar al climax con los vientos y la potencia en la voz de Nataly. En este track una vez más queda claro la versatilidad de Nataly en la composición y en el viaje musical que nos ha presentado a través de su EP” Comenta Néstor Cifuentes, productor.“Esta es la solución, el antídoto al dolor…

Latir con medio corazón, ser la sombra de un amor”El videoclip se rodó en Bogotá bajo la dirección de Felipe García y con producción de Stick Mostaza. Lo protagonizan Nataly Grisales, Jeremy Ender, Ricardo Ramos y Juan Sebastián Jiménez.

“La letra de Luna es irónica por eso en el video buscamos mostrar este empoderamiento de una manera que fuera divertida y que en últimas también tiene su ironía en la metáfora de las rosas” Comenta Nataly. Nataly Grisales es una cantautora de pop alternativo con influencias de sonidos como soul, jazz, blues, bossa nova y rock.

En su propuesta incluye elementos del indie pop que aportan una estética vintage tanto en el sonido como en la propuesta conceptual y visual.

Su música comunica emociones y conecta a los oyentes con el sentir de cada letra.La carrera solista de Nataly Grisales inicia en 2017, un año de experimentación y creación musical de la mano de los productores Natalia Bautista, Nicolás Ladrón de Guevara y Néstor Cifuentes que la llevó a lanzar sus tres primeros sencillos ‘Otro Final’, ‘Entre mis Palabras’ y ‘Olvidar’.

Los vientos estarán presentes y son característicos en todas las canciones de su EP Debut “Cada cosa que he callado” que fue grabado en Bogotá bajo la producción del ganador del Latin Grammy Néstor Cifuentes y llega con una estética vintage en el sonido.

Ausencia, Tiempo y Escapar son los primeros sencillos de esta producción y han llevado a Nataly Grisales a ser portada en Claro Música y entrar a playlist editoriales en las diferentes plataformas de streaming.

El nuevo lanzamiento del cantautor panameño Carlos Méndez cuenta con la colaboración de la cantautora estadounidense Inara George. Es un tema que le rinde tributo a las mujeres y su fuerza.

Después de su exitosa presentación en Colombia y de realizar algunos conciertos en su natal Panamá, el cantautorCarlos Méndez sigue sorprendiendo a sus seguidores en Latinoamérica con nueva música y hoy presenta ‘No te dejes Margarita’ featInara George, una canción escritapara una amiga de la abuela del artista.‘No te dejes Margarita’es una canción que invita a celebrar la vida y a disfrutar cada momento. Tiene una carga emocional llena de valor, fuerza, alegría y nostalgia.

La canción también tiene una dedicatoria a las mujeres que invita y promueve la lucha de sus derechos. Es un tema que le rinde tributo a las mujeres y su fuerza.

“Mi abuela falleció durante la pandemia de vejez a los 92 años y, al encontrarme, con su amiga después de su deceso me dijo una frase que me taladró el cerebro: “se me están muriendo las chicas” en alusión a mi abuela”. En la canción, le digo a Margarita: “te quedan un par de años, báilalos y gózalos como las chicas”, cuenta el artista panameño.

La frase “se me están muriendo las chicas” en la canción también es un mensaje del artista a la pérdida de tantas mujeres a causa de la violencia y el maltrato.

Escucha ‘No te dejes Margarita’La canción cuenta con la colaboración de Inara George, vocalista de la banda The Bird and The Bee. Actualmente, Inara también comparte un proyecto con Dave Grohl, líder de Foo Fighters, llamado Road Angel. El gran reto para esta unión fue que la artista decidió cantar en español logrando un excelente registro en la canción.

“Me gusta mucho el dúo que tiene Inara George tiene con Greg Kurstin, quien ha producido discos increíbles para Paul McCartney, Beck, Sia, Adele y Foo Fighters. La colaboración se dio de una forma muy loca. Nos conocimos vía Instagram por etiquetarla en una publicación. Me escribió que había escuchado mi música y le parecía bonita. Yo también admiro mucho lo que hace y por eso conectamos para darle vida a esta canción”, comenta Carlos.

Los teclados de la canción están grabados por Claudio Cardone, tecladista de Luis Alberto Spinetta por muchos años. La producción y la música se realizó entre George Barroso y Carlos Méndez, por su parte, la mezcla estuvo a cargo de Héctor Castillo con quien el panameño ha trabajado desde el disco ‘AyAyAy’. El master fue obra de Dave Mcnair y sale de la mano de The Orchard, un equipo con el que Carlos Méndez se siente a gusto trabajando.Dentro de los planes de Carlos Méndez para los próximos meses está realizar un concierto en Costa Rica y un show especial en el Teatro Nacional de Panamá. También planea seguir realizando colaboraciones para cerrar su disco, entre ellas, una con el músico Daniel Álvarez de la banda colombiana Diamante Eléctrico.

Sobre Carlos Méndez

Carlos Méndez es el músico independiente panameño de mayor proyección internacional. Con una propuesta de rock alternativo influenciado por el mar y la cocina de su país natal, se caracteriza por componer temas conectados con la realidad y el amor, llenos de sentir que invitan a cantar y conectar con la vida.

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Es un manifiesto de compromiso con la paz y con la verdad que habla de cómo las voces que narran la verdadera historia y que son parte de un gran cambio no podrán ser calladas.

Mástil es un proyecto de rock duro liderado por Pol Moreno y Amós Piñeros, dos músicos con una larga trayectoria de trabajo en común y que han participado en varios proyectos relevantes de la historia del rock colombiano como músicos y productores (Catedral, Ultrágeno, Tequendama, La Derecha, Afónica, La Fé, entre otros).

Su devastadora propuesta sonora oscila entre el metal y el grunge con un fuerte contenido de síntesis que le da un toque indiscutiblemente industrial. Líricas crudas y a la vez místicas son creadas con el imaginario de hacer poesía mientras se surca un océano picado y peligroso en algún momento post histórico y onírico donde la magia rebelde es practicada por hechiceros navegantes.

Pol y Amós han reclutado un equipo de trabajo de lujo (Hans Vollert de Kedusha y V For Volume y Nicolás Zaldúa de Telebit entre otros) tanto en la parte musical como en la visual con la intención de no pasar desapercibidos para la escena del rock y metal de Colombia y Latinoamericana que tan necesitada está de nuevas propuestas.El segundo lanzamiento de ‘El conjuro’, álbum debut de Mástil es ‘Nos van a escuchar’, un manifiesto de compromiso con la paz y con la verdad que habla de cómo las voces que narran la verdadera historia y que son parte de un gran cambio no podrán ser calladas, así como la memoria de lo sucedido no se extinguirá, las nuevas generaciones podrán construir una nación para todos con justicia y respeto a la vida en todas sus formas. Los invitamos a escuchar y aferrarse a Mástil, un proyecto que promete misterio, adrenalina y poder sonoro sin paralelo.

Haz clic y escucha ‘Nos van a escuchar’

La canción reúne elementos de electro-pop y dance alternativo que le dan un estilo futurista y sintético al proyecto de Ed. Habla de una fuerte discusión que tiene una pareja mientras están ‘Tirados en el sofá’. La tensión de la discusión deriva en un encuentro sexual.

Mira el video de ‘Tirados en el sofá’

Desde el lanzamiento del sencillo ‘Deja’ y de su álbum debut ‘Sociedad 2020’, el artista colombiano Ed Keziah se ha dedicado a producir su nuevo álbum ‘Lo Contrario’ trabajando de la mano del destacado productor y baterista barranquillero Jaime Alzate. Gracias a su innovadora y virtuosa propuesta, Ed ha logrado ser fichado en varios medios de Colombia y Latinoamérica, así como el BOmm 2021, mercado musical en donde fue escogido como artista en la rueda de negocios internacional.

‘Tirados en el sofá’ es su nuevo lanzamiento, una canción que nació en Afro Estudio en donde Ed y Jaime exploraban nuevos sonidos. Luego de experimentar con sintetizadores y ver que el estilo electrónico encajaba bien con la voz grave de Ed, nació el segundo sencillo del álbum ‘Lo Contrario’.

La historia de la canción habla de una fuerte discusión que tiene una pareja mientras están ‘Tirados en el sofá’. La tensión de la discusión deriva en un encuentro sexual que luego es recordado por el narrador con vehemencia durante la canción.

‘Tirados en el sofá’ reúne elementos de electro-pop y dance alternativo que le dan un estilo futurista y sintético al proyecto de Ed Keziah.En el video de ‘Tirados en el sofá’, Ed Keziah sigue exhibiendo su crítica hacia las redes sociales y sus algoritmos. En esta ocasión, vemos cómo el personaje principal discute con su pareja debido al excesivo uso de su celular. Este personaje representa el status quo de la sociedad, en donde el ser humano tiene dificultades al momento de disfrutar y usar efectivamente su tiempo por el excesivo consumo de contenido digital. El clip fue dirigido por Steven Barros de la productora audiovisual 24 Frames Studio.Actualmente, Ed Keziah se encuentra colaborando con varios artistas locales y luego de ‘Tirados en el sofá’, lanzará una canción con Jose Matera, exintegrante de la banda Los de Adentro.

Escucha ‘Tirados en el sofá’