Checho Sasa & Charles King presentan ‘Care Muñeco’

Checho Sasa regresa con ‘Care Muñeco’ una canción cargada de sabor caribe que cuenta con la participación de Charles King, reconocido como uno de los reyes de la champeta colombiana.

Con sonidos de la Champeta, ritmos latinos y afrobeat, ‘Care Muñeco’ habla de los momentos en que tocamos fondo, pero seguimos mostrando una sonrisa al mundo y nos mantenemos fuertes ante las adversidades.

¿Quién no ha pasado momentos como Care Muñeco? Situaciones difíciles que nos hacen creer que no podemos con ellas, pero al final siempre seguimos firmes, a pesar de todo” Comenta Checho Sasa.‘Care Muñeco’ se grabó en el estudio Yoshy Records de Bogotá y fue allí donde se reunió a todo el equipo de producción por primera vez. Luego, desde tres ciudades diferentes y bajo la producción de CFelo (César Restrepo) se terminó de mezclar y masterizar.

La canción cuenta con la participación de Charles King, pionero y leyenda de la Champeta de nuestro país y la participación en la guitarra el maestro Álvaro Cuellar (Anne Swing, Son Palenque de Justo Valdez, Viviano Torres, Melchor El cruel, entre otros).El videoclip realizado bajo la dirección de Felipe Gómez y la producción de Sebastián Rodríguez y Daniel Gómez de Mochila Digital se rodó en Bogotá.

En escena participan las bailarinas Wendy Huertas, Kelly Palacios, Nicol González y Leidy Montaño. El video busca mostrar de manera jocosa y divertida la letra de la canción, mientras retoma la estética de la champeta tradicional incluyendo baile, colores y diversión. “Buscamos expresar a través de la música los sentimientos que todos hemos tenido cuando nos llega la mala suerte o una mala racha” Checho Sasa.

Checho Sasa

Suena playa, gaitas, amor, baile y sensualidad. Su música es un Latin Pop en el que los sonidos urbanos y del dancehall se fusionan con ritmos latinos.

En 2020 se lanza como cantante y solista, dejando que su sonido se contagie y se inspire del caribe colombiano, el reggae, la música de Nigeria, la champeta y el monbathon.

Además de músico, Checho es Comunicador Social y Periodista, especialista en Comunicación Digital. Se ha desempeñado como locutor, manager, booker y jefe de prensa.

Burning Caravan presenta su nuevo disco ‘Más allá del mundo’

El nuevo álbum de la banda franco-chileno-colombiana es un viaje de 30 minutos casi onírico por diferentes universos musicales.

La agrupación franco-chileno-colombiana Burning Caravan, nominada a Mejor Nuevo Artista en los Latin GRAMMY 2019, lanza su cuarta producción discográfica ‘Más allá del mundo’.

Este álbum, compuesto por ocho canciones muy distintas entre sí, resume diez años de exploración musical con un sonido contundente y novedoso, que lleva a quien lo escucha a un viaje casi onírico por diferentes universos musicales.

Grabado en los estudios de Árbol Naranja en Bogotá, Colombia, y mezclado en Córdoba, Argentina, contó con la valiosa participación de dos reconocidos ingenieros de sonido argentinos: Uriel Dorfman (Gustavo Cerati, Vicentico y Fabulosos Cadillacs, entre otros) y Mario Breuer (Charly García, Luis Alberto Spinetta, Soda Stereo, Mercedes Sosa, Fito Páez y muchos más).

‘Más allá del mundo’ tiene la fascinación de ser un disco muy variado y lleno de contrastes: comienza con ‘The King Of The Moon’, una canción cuya letra está en cuatro idiomas y cuya música pasa por cuatro ritmos diferentes

Escucha ‘ The King of the Moon’

Seguida de su más reciente sencillo ‘¿Con quién hablo cuando me hablo?’, cuyo video en vivo alcanzó las 40 mil vistas en su primera semana de lanzamiento:

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Por su parte, ‘Lockdownska’ es la canción de género ska del disco, que además de ser en inglés, es el último videoclip de la agrupación:

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La tercera canción del álbum fue ‘Respuestas perdidas’, el primer sencillo lanzado en plataformas digitales y que también cuenta con un video en vivo.

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Se trata de un disco bastante ecléctico que rompe con algunos paradigmas de la música latinoamericana, pues transforma y renueva géneros como el bolero y la chacarera, para llevarlos a los oídos tanto de los oyentes más exigentes, como de quienes quieren bailar y cantar al ritmo del rock alternativo de esta banda que aún conserva sus raíces gitanas, logrando originales combinaciones musicales.

Para promocionar este nuevo trabajo discográfico, Burning Caravan ha escogido el sencillo inédito ‘Gravedad Adversa’, una canción que, con su swing alegre y enérgico, habla de la importancia de la solidaridad, la unión y la colaboración que necesita cualquier grupo de personas para alcanzar sus sueños, tanto individuales como colectivos. La canción también tiene una relación directa con el teatro musical de la banda, y es la única del álbum en la que el característico sonido del acordeón no está presente, pues le da paso al piano, un instrumento encargado de darle una sonoridad novedosa y especial a ésta y otras canciones del disco. El sencillo fue grabado en bloque, en vivo, bajo la ingeniería de sonido de Uriel Dorfman, Antonio Suárez y la asistencia de Paula Peña y Catalina Lozano, en los estudios Árbol Naranja, en Bogotá, Colombia. ‘Más allá del mundo’ de Burning Caravan fue realizado por Olivier Lestriez en el bajo y contrabajo, Francisco Martí en la voz, Pablo Muñoz Barragán en los saxofones (soprano, tenor y barítono), Javier Ojeda Tovar en la guitarra y el banjo, Diana Osorio Castro en el acordeón y los teclados, y Mario Romero Romero en la batería y la tambora.

El disco fue producido por Uriel Dorfman, Javier Ojeda y Mario Romero con los ingenieros de grabación Uriel Dorfman y Antonio Suárez, los asistentes de grabación Paula Peña y Catalina Lozano, la mezcla de Mario Breuer en Córdoba, Argentina y la masterización de Felipe López en Onda Selecta. La ilustración del disco fue obra de Lucho Salcedo, el diseño y diagramación de Sandra Ojeda (Octopus Media) y las fotografías de Daniela Rojas Gallego y Valeria Castro.

“LA MONTAÑA”, relato de un amor fallido

Ácido Pantera une esfuerzos con Telebit para llevar más lejos su sonido selvático

Texto por: Pipo Major

El sonido de ÁCIDO PANTERA es plural, incluyente, dinámico y en estado de constante evolución. Ejemplo de esto es su nueva colaboración con TELEBIT, “LA MONTAÑA”, sencillo de carácter rumbero que narra una decepción amorosa en clave de electrónica latina y rock criollo.

“La canción se creó en el estudio de Carlos Roldán hace un tiempo y buscaba traer ese sonido más progresivo y un poco nostálgico a la electrónica en el que cada elemento va creciendo y evolucionando durante la canción”, explica Juanpordios sobre el proceso detrás de la composición del corte. Con una base melódica ascendente que juega con elementos del Pacífico y la región andina colombiana, “LA MONTAÑA” crece en ciclos sonoros y adopta una identidad rockera conforme se hace patente la presencia de TELEBIT, que llega con guitarras de palo en medio de un interludio de marimba de chonta. “Es una canción casi que de despecho, de un amor fallido y de dolor en el corazón. Entonces juntamos la electrónica y ese tiempo que se da en este género para desarrollar cada elemento, y así generar una sensación más emotiva”, añade Juanpordios. Permitiéndole a la mezcla respirar en medio del corte a partir de un solo de guitarra, el sencillo entrega una mixtura de elementos que la convierten en una composición única y explosiva.

ÁCIDO PANTERA y TELEBIT se unen para “LA MONTAÑA”

Es una canción a la que nos subimos, pues Juanpordios ya tenía una idea estructurada que nos mostró para ver cómo iba la vuelta. Nos gustó un montón porque tenía esta onda oscura y la letra tenía una noción bien particular de intentar escalar esta montaña inalcanzable, sin saber si al final se va a lograr llegar a la cima”, explica Daniel Acosta de TELEBIT, otra de las partes clave del tema. “Tiene un tono oscuro y bien fiestero que nos gustó mucho al tener una noción bien autóctona, bien latina en sus sonidos. La grabamos en varias sesiones: en casa de Felipe Rondón, en casa de Juan. Empezamos a botar ideas, a grabar nuevas líneas de voces, a reestructura la manera cómo quedó al final la canción. Fue un ejercicio bien interesante. Terminó siendo una canción muy de fiesta, con un tono nostálgico y triste de esta persona que le dice a su chica ‘lo intenté todo, pero nos quedamos sin nada’”, concluye.

LA MONTAÑA” sigue con la veta creativa central de la propuesta de ÁCIDO PANTERA, una convergencia de sonidos y acentos que le da a su música electrónica una identidad híbrida que crece con sus presentaciones en vivo, que usualmente incluyen intérpretes de tambores, marimbas o gaitas. “En Ácido Pantera, y en mi carrera solista, siempre me ha gustado potencializar las fusiones entre géneros y entre artistas, en este caso locales. Me encanta que la gente pueda ver cómo sonamos juntos”. ÁCIDO PANTERA no tiene miedo de romper las convenciones y siempre va dos pasos adelante para proponer nuevas formas de crear y componer. “LA MONTAÑA” es un ascenso imposible para alcanzar el amor, pero en el camino encuentran la manera de conciliar dos lenguajes aparentemente antagónicos

LA MONTAÑA
¡YA ESTA DISPONIBLE EN TODAS LAS PLATAFORMAS!

Love My Robot lanza ‘Sense of Intelligence’

El álbum ‘Sense of Intelligence’ es un trabajo que aborda diferentes conceptos sobre inteligencia artificial.

Haz clic y escucha ‘Sense of Intelligence’ de Love My Robot en tu plataforma musical favorita

Love My Robot LMR es un colectivo musical multidisciplinario (plataforma, sello, galería digital) liderado por la colombiana Carolina Castilla que nace en medio de la pandemia y sus coletazos (miedo, tristeza y soledad), con el fin de comunicar ideas sobre Inteligencia Artificial a través del arte. Es una plataforma para la expresión de ideas de artistas y pensadores sin importar sus perspectivas y pensamientos.

El proyecto busca que la gente del común sea consciente de sus interacciones con la Inteligencia Artificial y una de sus más grandes aspiraciones es girar por el mundo con el Mutant Vehicle para exponer su propuesta en museos, festivales, conferencias y fiestas temáticas, entre otros espacios.

“Con nuestras canciones queremos despertar la curiosidad, la conciencia y el entendimiento sobre las implicaciones éticas, vitales y cotidianas que tiene y tendrá interacción del humano con las máquinas dotadas con inteligencia artificial”, cuenta LMR cuyas influencias musicales provienen de proyectos como Gorillaz, The Advent (Cisco Ferreira), Depeche Mode, Daft Punk, Bomba Estéreo, Ghetto Kumbé y Campmasters SA.

El nuevo álbum de Love My Robot es ‘Sense of Intelligence’, un trabajo que aborda diferentes conceptos sobre inteligencia artificial.

“El objetivo de este disco es educar a las personas del común través de la música para que estén más informados acerca de la inteligencia artificial y cómo ésta interactúa con los seres humanos en la cotidianidad”, menciona Carolina Castilla.

‘Sense of Intelligence’ aborda diversas temáticas y conceptos, hace un homenaje a Alan Turing, padre de la programación y la inteligencia artificial; le canta al Internet de las cosas IOT como Alexa o Siri. En el álbum encontramos canciones inspiradas en las redes neuronales en programación que buscan imitar cómo funciona un cerebro, la implementación de la tecnología en la biología del cuerpo humano, la metadata, entre otros.

El sencillo ‘Turing Complete’ es una canción que habla del amor entre un robot y un humano y las distancias que los puedan separar, sean éstas físicas o de marcos mentales. El sencillo explora conversaciones de Inteligencia Artificial, tormentas de viento, discursos y muchas máquinas.

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El video de la canción fue grabado por un equipo de colombianos en Barcelona, Audiovisual Kolective bajo la perspectiva de hacerle un homenaje a Alan Turing padre de la inteligencia artificial. Con ‘Turing Complete’, Love My Robot le envía un mensaje a la sociedad del presente de la importancia de la Inteligencia Artificial y sigue la senda de discusión que ya se ha abierto en películas como ‘Blade Runner’ y ‘HER’.

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‘Turing Complete’ cuenta con la colaboración de la diseñadora de sonido y audiovisual Mónica Reyes, Aka Mon. Ella también fue la encargada de realizar la galería de realidad virtual http://www.lovemyrobot.ai

Otro de los sencillos promocionales del disco lanzado con anterioridad fue ‘Automated Movements’ junto a Obie P, que refleja la posibilidad de que las máquinas les quiten el trabajo a los humanos.Con Love My Robot, Carolina Castilla -líder del proyecto- tiene dos intereses: uno personal y otro global. “Quiero que la música sea bien recibida por el público y que eso me permita girar por el mundo ya sea como como DJ, Live Act o Instalación de Arte. A nivel grupal, busco educar a niños en ética en innovación y robótica y también educar a niños y adultos sobre interacciones del humano y la inteligencia artificial”.

Hasta el momento, Love My Robot tiene confirmadas tres presentaciones a la fecha: 2 de junio en TBA Mountain View CA, 20 de junio en Pukhet Thailand TBA y 30 de agosto en Black Rock City, NV.

Love My Robot lanzará NFTs en el segundo semestre, así como nuevos videos, entre ellos, el de su canción ‘Metadata’ en las próximas semanas. Además, lanzará un libro de cuentos, un Audio Book y también está construyendo un Mutant Vehicle para Burning Man.

El violonchelista Gautier Capuçon y el pianista Jean-Yves Thibaudet, estarán en el Teatro Mayor

  • El Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo tendrá este fin de semana a dos de destacados músicos franceses de música de cámara: Gautier Capuçon y Jean-Yves Thibaudet.
  • Los músicos ofrecerán obras reconocidas para violonchelo y piano de Schumann, Brahms, Debussy y Shostakovich.
  • Este concierto, que tendrá lugar el sábado 14 de mayo a las 8 p.m., cuenta con el apoyo del Instituto Francés y la Embajada de Francia.

Una noche de música clásica con dos de los mayores exponentes actuales de la música clásica en Francia se vivirá el sábado 14 de mayo, a las 8 p.m., en el escenario del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. El violonchelista Gautier Capuçon y el pianista Jean-Yves Thibaudet presentarán un concierto en el que demostrarán el virtuosismo en sus instrumentos con varias obras compuestas para violonchelo y piano: ‘Fantasiestücke’ de Robert Schumann; ‘Sonata para violonchelo y piano n° 1 en mi menor’, de Johannes Brahms; ‘Sonata para violonchelo y piano en re menor’, de Claude Debussy, y ‘Sonata para violonchelo y piano in re menor’ de Dmitri Shostakovich. Boletas desde 40.000 pesos.

Gautier Capuçon, el embajador del violonchelo del siglo XXI

Consagrado a explorar y expandir el repertorio del violonchelo, Gautier Capuçon es el fundador y líder de la Classe d’Excellence de Violoncelle de la Fondation Louis Vuiton en París y es embajador de la Orchestre à l’École Association, institución que lleva la música clásica a miles de jóvenes en colegios alrededor de Francia. Además, se ha convertido en uno de los violonchelistas más reconocidos de Francia y cada temporada interpreta un extenso conjunto de obras y estrena habitualmente nuevas comisiones. Además, sus proyectos actuales incluyen colaboraciones con Lera Auerbach, Richard Dubugnon, Danny Elfman y Thierry Escaich.

Capuçon es residente en Paris Philarmonie y Wiener Konzerthaus y se presenta en importantes festivales alrededor del mundo, incluyendo los festivales Enescu, Rostropovich, Prague Spring, St. Denis y Evian. Además de su calidad en la interpretación, llama la atención su instrumento: un violonchelo Matteo Goffriller de 1701, llamado coloquialmente ‘L’Ambassadeur’.

En la temporada 2021-22, Capuçon ha colaborado con orquestas filarmónicas de Viena, Munich y Nueva York; el Concert gebouworkest, Cleveland Orchestra y Mariinsky.

El dinamismo de Thibaudet

Durante más de tres décadas, Jean-Yves Thibaudet ha tocado alrededor del mundo, ha grabado más de 50 álbumes y ha construido su reputación como uno de los mejores pianistas de Francia. Cuenta con un amplio repertorio solista, de cámara y orquestal que va desde Beethoven, pasa por Liszt, Grieg, y Saint-Saëns, y llega hasta Khachaturian, Gershwin, Olivier Messiaen, Qigang Chen, James MacMillan, Richard Dubugnon y Aaron Zigman.

Desde el comienzo de su carrera, Thibaudet amplió su repertorio más allá de lo que se espera en un pianista clásico: ha incursionado en el jazz y en la ópera, muchas veces con obras que él mismo ha transcrito para piano. Además, sus amistades profesionales atraviesan el globo y lo han llevado a colaboraciones fructuosas y espontaneas en las áreas del cine, la moda y el arte visual.

Al igual que Capuçon, Thibaudet también ha mostrado gran interés a lo largo de su vida por la educación y el tutelaje de jóvenes talentos. En 2017, Colburn School, en Los Ángeles, creó la Beca Jean-Yves Thibaudet, fundada por miembros de la comunidad de donantes de Colburn, para brindar ayudas a estudiantes de la academia de música, a quienes el pianista selecciona basado en sus reconocimientos meritorios, sin importar su elección de instrumento.

Más información de este concierto:

https://www.teatromayor.org/es/evento/musica/gautier-capucon-violonchelo-francia-y-jean-yves-thibaudet-piano-francia-4946?function=2544

Alea presenta ‘Arrullo Ft. Renee Goust

Luego del exitoso lanzamiento de su álbum ‘Alborotá, la cantautora colombiana Alea nos presenta el videoclip oficial de “Arrullo”. En esta canción Alea nos invita a la sanación personal y cuenta con la participación de Renee Goust, reconocida artista y activista de la escena local de Nueva York.

“Renee ha sido una gran inspiración para mí como escritora y como artista, por su valentía y sus mensajes feministas y a favor de la comunidad LGTBQ+. Nos reunimos en el estudio de Jarana Records para escribir esta canción que terminó llamándose “Arrullo”; haciendo homenaje a esas canciones de cuna que tienen como propósito calmarnos y centrarnos”, comparte Alea. Desde sus primeros acordes, “Arrullo” nos revela su naturaleza intimista y sanadora, tono que quizá resulte sorpresivo para los fans de Renee pero en el que encontrarán un bálsamo sin igual.

“Como artistas independientes, y como mujeres, estamos constantemente expuestas a la crítica y al autosabotaje, situaciones que traen ansiedad, depresión y otros temas de salud mental. Fue hermoso apoyarnos en esa vulnerabilidad, hablar del dolor y la ansiedad como una compañera a la que hay hablarle y arrullar para que no tome tanto protagonismo en nuestro día a día y así, poder continuar con nuestras luchas y sueños”, explica Alea. La canción que hace parte de su más reciente material discográfico titulado “Alborotá” fue producida por Sinuhé Padilla en Jarana Records (Nueva York).

El álbum, considerado por Rolling Stone y NPR uno de los mejores álbumes del año 2021, rompe muchos de los moldes que se han creado en torno de la música latina y de la música, en general. Su expresividad se aleja de los clichés contemporáneos y combina de forma única tradiciones como la cumbia, el porro, el currulao y el vallenato con el pop, el afro y los sabrosos ritmos latinos filtrados a través de su lente personal de fuerza, feminismo y perseverancia.

“En el video nos pueden ver a Renee y a mí, después de algún concierto, compartiendo un mezcal y contándonos aquellos dolores y preocupaciones. Quisimos traer un poco de ese mundo surreal, provocado por la ansiedad, a través de los pétalos, las manos, y hasta el glamour que muchas veces no es lo que aparentan las redes sociales”, relata Alea.

En el escenario Alea presenta un ensamble de melodías poderosas, ritmos de la tierra y sentidas conversaciones musicales provenientes del detallado y respetuoso trabajo en cada instrumento.

La comunión de la cumbia, vallenato y rancheras, con jazz y landó. Crea un universo sonoro vivo, ancestral pero a la vez neoyorquino.

El proyecto musical de Alea es todo un concepto visual y sonoro. En la parte gráfica, se inspira en lo latino urbano y su conexión con la tierra y lo tribal; una conspiración visual con Tobías Arboleda, ilustrador y director visual detrás del nuevo álbum.

El estreno de su álbum ‘Alborotá’ la llevó a resonar en importantes espacios de la música latina y ser reconocida por medios especializados en música en Estados Unidos.

Crecida en la frontera entre México y los Estados Unidos, Renee Goust escribe canciones acerca de la equidad de género, las experiencias LGBT+ y otros temas de justicia social.

Con ello busca visibilizar identidades que históricamente han sido poco representadas en las tradiciones musicales de América Latina. Sus canciones “La cumbia feminazi” y “Querida muerte (No nos maten)” acompañan las luchas feministas iberoamericanas en las calles.

Renee se ha presentado en el Lincoln Center, el Museo Guggenheim de Nueva York y El Cantoral de la Ciudad de México, por mencionar algunos. Su música la ha llevado a aparecer en medios como Billboard, Latino USA de NPR y El País de España, por mencionar algunos. Ha compuesto música original para producciones de Disney & WeTransfer.

SOBRE ALBOROTÁ

Alea es una de las artistas más inquietas, abiertas y eclécticas del momento. En su álbum todo está dispuesto para sorprender a los oyentes con el espíritu creativo, inquieto, rebelde y sensual de la artista colombiana que es una ‘Alborotá’ por nacimiento y convicción.

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‘Alborotá’ fue producido por Sinuhé Padilla Isunza, quien comparte con ella esa actitud de renovación y búsqueda constante, en Jarana Records. A lo largo de sus canciones podemos encontrar a músicos como Sonia de los Santos, Jaime Ospina, La Lulú, Berta Moreno y la aguerrida presencia de Renee Goust, cuyas canciones se han vuelto verdaderos himnos de la lucha feminista actual.

El álbum se desmarca de las lógicas de la producción digital, pues su construcción parte únicamente del uso de instrumentación acústica, toda una rareza en estos tiempos. Su ánimo de fusión, su fuerza femenina y su amor por la tradición hacen de ‘Alborotá’ una joya nacida del amor rebelde. La producción discográfica brilla con la ayuda de los artistas ganadores del Latin GRAMMY Felipe Fournier (vibráfono en “Échale Sal”), Luisa Bastidas (violín en “Alborotá”) y Jackie Coleman (trompeta en “No Me Apaga Nadie”) de Flor de Toloache.

KRISTAL presenta ROSA PASTEL

La cantante, Violinista y Actriz KRISTAL, tras lanzar ‘9 DÍAS’ su primer album de larga duración a finales del año 2021 que incluye colaboraciones de Totoy el Frío, L’oMY y Juan Por dios lleva algunos meses trabajando en la reinvención de su proyecto, el cambió más loco pero a la vez más cuerdo que ha hecho en toda su carrera musical.

KRISTAL MEETS ROCK es el proyecto que debuta la versión de KRISTAL de “ROSA PASTEL” el éxito de Belanova de los 2000’s y que marco a toda una generación alrededor del pop mexicano que fue valorado en todo latinoamérica. Esta nueva versión esta inundada de sonidos llenos de ROCK, METAL y PUNK que contra cualquier pronóstico hacen cohesión de manera perfecta con la voz dulce de KRISTAL y con su fiel escudero, el VIOLÍN simbolo de su proyecto y su exploración con la música desde sus estudios académicos en la música clásica.

La canción fue producida por MAJK en la ciudad de Bogotá y grabada en los estudios de ART&CO también en Bogotá, de igual manera el video musical fue grabado en la capital por ARTURO BORDA y OSCAR ACOSTA.

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Bonus Trak presenta ‘Abril’

‘Abril’ es un homenaje a ese cambio tan importante en la vida cuando se es padre. También está dedicada a las madres, es un tributo a ellas en su mes.

Haz clic y escucha ‘Abril’ de Bonus Trak en tu plataforma musical favorita

Bonus Trak continúa su viaje musical en donde presenta las canciones que harán parte de su nuevo disco. Los dos primeros lanzamientos ‘Un día como hoy’ y ‘La espina’ han superado las 50 mil visualizaciones en YouTube cada uno, además, que su propuesta ha sido recibida de manera positiva en emisoras, canales de televisión y medios digitales de Colombia y Latinoamérica; confirmando que es un proyecto lleno de calidad e innovación que gusta a colegas, agentes de la industria y público en general.

Ahora, Bonus Trak llega con ‘Abril’, una canción hecha en homenaje al primer bebé de un miembro de la banda. El tema cuenta cómo la llegada de una persona cambia de manera significativa la vida de quienes rodean a ese nuevo ser humano. Es un relato de cómo las cosas se redefinen en sí mismas por el mismo hecho de conocer una nueva forma de amor.

Lejos de ser un sencillo que se pierda en la emoción del nacimiento de un bebé, es una canción de raíces e influencias punk bastante marcadas con riffs de guitarra intensos que conectan con la esencia de la banda recordando los sonidos de Bonus Trak en sus inicios.

‘Abril’ explora sonidos del punk californiano y el rock clásico con guitarras que invitan a moverse desde el primer acorde.

“Con este lanzamiento seguimos ratificando que hacemos música honesta y valiente en términos de proponer múltiples sonidos y temáticas, tal y como ocurre en la vida diaria de todas las personas que pasan por diferentes estados de ánimo y distintos sonidos. Queremos seguir compartiendo las historias que le ocurren a cuatro amigos y la manera en como ellos las cuentan y las transforman en canciones cargadas de emoción y dinamismo”, cuentan los integrantes de Bonus Trak.Haz clic y escucha ‘Abril’ de Bonus Trak en tu plataforma musical favorita‘Abril’ llega con un video ilustrado que contrasta la intensidad de la canción con imágenes que ejemplifican un ensayo en medio de una nueva rutina y del disfrute del juego alrededor de tocar con amigos.

“El reto creativo y estético de este lyric video hecho por las realizadoras Yoda y Marian fue abordar la temática de la maternidad al mezclarla con el punk rock y la identidad del grupo. En el clip se crea un escenario donde estos dos mundos se unen, sin caer en el estereotipo sensiblero y la estética del día de la madre, pero sí manteniendo el sentimiento y la intención de la música y la letra”, enfatiza la banda.En sus canciones, Bonus Trak plasma sus múltiples gustos, sentimientos, experiencias, influencias, intereses y pensamientos que hacen de este un proyecto sólido.

“Sin dejar de lado nuestros trabajos, seguimos luchando por este sueño musical que nos mantiene vivos y activos”, menciona el grupo bogotano.

Bonus Trak adelanta una serie de conciertos en Bogotá en los meses de mayo y junio, con la intención de seguir transmitiendo su mensaje y propuesta, además, de conquistar nuevas audiencias rodeados de amigos de otras bandas que también comparten el sueño de hacer música.

Conoce Unplugged, pop rock latino de Colombia

La banda colombiana presenta sus dos primeros sencillos ‘Aurora’ y ‘No me sé rendir’ con los que empieza a conquistar nuevas audiencias en Colombia y Latinoamérica.

Unplugged es un proyecto musical de seis jóvenes boyacenses que, bajo las influencias del rock ochentero, el pop, el blues, el jazz y la música clásica, transmiten sensaciones, emociones y pensamientos a través de canciones hechas desde el corazón.

Desde su propuesta musical, el grupo conformado por Edward Quintero, bajo; Brian Prieto, batería; Sergio Lizarazo, voz y composición; Andrés Barrero, guitarra, piano y productor; Johan González, guitarra; y Gabriela Bheincke; voz; transmite amor, coraje y actitud positiva, pero también dolor y sufrimiento. Su intención musical tiene un abanico de sentimientos para cada ocasión o etapa de la vida.

La banda sembró sus primeros frutos en el apartamento de uno de sus integrantes, pero gracias su esfuerzo, dedicación y trabajo fundaron el estudio y sala de ensayo, Unplugged Récords, espacio de creación musical en donde ahora nacen sus canciones.Su nuevo lanzamiento es ‘Aurora’, una canción de amor y dolor inspirada en la abuela del compositor del grupo Sergio, quién era como su madre y hoy lo cuida desde el cielo. Es un homenaje a la pérdida de un ser querido. El tema explora sonidos pop y rock, fusionados con sonidos de chelo, piano, arpegios de guitarra folk, bajo y poderosos arreglos vocales.

‘Aurora’ viene acompañado de un video protagonizado por la prestigiosa actriz colombiana Alina Lozano y grabado en el colegio Rafael Reyes de la ciudad de Duitama en Boyacá buscando evocar el recuerdo y rendirle tributo a ese ángel que los cuida desde el cielo.

“Alina Lozano es una de las mejores actrices del país, conectó de inmediato con el mensaje que queríamos transmitir porque, tristemente, ella hace poco perdió a su madre. Esta situación produjo una unidad con nuestro homenaje y fue mágico poder comunicar en conjunto esa sensación de dolor y amor que solo deja la ausencia”, comenta Unplugged. Otro de sus sencillos recientes es ‘No me sé rendir’, una invitación absoluta a que no hay adversidades en el mundo que puedan con nosotros ni condiciones que nos impidan salir adelante. Es un homenaje al comediante y cantante colombiano Álvaro Lemmon.

Es una canción con sonidos latinos que explora géneros como el tropipop y el ska, mezclando el acordeón con trompetas y saxo; además, descargando en una fuerza eléctrica de guitarras, bajo y batería.

El video de ‘No me sé rendir’ se grabó en el Parque Temático Guatika en Tibasosa, Boyacá y cuenta con la participación de Álvaro Lemmon y Alina Lozano.

“Contar con Alina Lozano con su gran recorrido actoral y con el maestro Álvaro Lemmon en el musical nos da el pleno convencimiento de que nuestro proyecto va por buen camino, pues se han unido a nosotros artistas de gran experiencia. Ellos han aportado un importante grano de arena para seguir luchando y creyendo en nuestros sueños”, agrega el grupo.Estos dos primeros lanzamientos son el punto de partida para que las personas se contagien de una propuesta con sentido, mensaje, conciencia y amor por la vida.

Actualmente, Unplugged se encuentra organizando una gira por entidades educativas de su región, buscando conquistar nuevas audiencias y público juvenil. Dentro de los planes del grupo para los próximos meses está aterrizar en diferentes ciudades del país para compartir su propuesta con nuevos seguidores. Finalmente, con sus dos más recientes lanzamientos, la banda espera ganar nuevos adeptos en Colombia y Latinoamérica a través de sus canales digitales y redes sociales.

“Nuestro lema es “El límite es el cielo”, por eso seguiremos poniendo todo el amor y talento a cada una de nuestras creaciones con la fe intacta que la música nos llevará muy lejos. Queremos con sonidos modernos, hacer de las canciones poemas; soñamos con conquistar nuevos públicos con una propuesta honesta, intensa y de calidad”, concluye Unplugged.

AIONA SANTANA, LA NUEVA PROMESA DEL GÉNERO URBANO

La joven venezolana – canadiense, de 22 años, llega a Medellín para seguir promocionando “FRONTEO”, su video musical en tan solo un mes de lanzamiento, pasó en Youtube el 1´000.000 de visualizaciones, además de su acogida en las diferentes plataformas digitales.

AIONA SANTANA llega con su nuevo sencillo “FRONTEO” a Colombia, la joven venezolana – canadiense, llega a la ciudad de Medellín, para seguir promocionando su exitosa canción, que en tan solo un mes de lanzamiento, superó en YouTube el 1´000.000 de visualizaciones, además de su acogida en las diferentes plataformas digitales.

La cantante de 22 años se caracteriza por su disciplina, su talento y su amor por la música, por eso con “FRONTEO” pretende exaltar el dembow Latino, para dejar ver su lado más urbano. La canción fue escrita y producida en colaboración con Rainero Palm, productor musical premiado con 5 Latin Grammys.

El video musical fue rodado en la Habana, Cuba, dirigido por el reconocido cineasta Freddy Loons, allí se puede apreciar un concepto energético, lleno de colores, power dance, además de un derroche de talento y versatilidad femenina.

AIONA SANTANA, está firmada con la discográfica canadiense Farándula Records, quienes la denominan como la nueva promesa de la música urbana, teniendo en cuenta que con tan solo 22 años es vocalista y compositora con una licenciatura en Música en Voz. Fue ganadora de los Latin Awards Canadá como “Mejor Nueva Artista” – “Artista Revelación del Año”, además se ha desempeñado como bailarina, modelo, actriz y fue finalista de Miss Universo Canadá.

La artista va a estar visitando los diferentes medios de comunicación en Medellín, en compañía de GO FAR INTERNACIONAL.

Aiona Santana – Fronteo (VIDEO OFICIAL)